To nie sukcesy, a ludzie”. Pięć najważniejszych osób w życiu Paula McCartneya

 

 

 



Paul McCartney – człowiek, który wraz z The Beatles zmienił historię muzyki i wspiął się na absolutny szczyt popularności – usłyszał niedawno jedno, z pozoru proste pytanie: „Spędziłeś całe życie wśród niesamowitych ludzi. Kim jest pięć osób, które kochasz najbardziej?” Odpowiedź, którą dał, nie jest jednak opowieścią o rekordach sprzedaży ani o wielkich koncertach. To niezwykle poruszająca, pełna pokory i ciepła refleksja nad życiem, przemijaniem i tym, co w nim najcenniejsze – nad przyjaźnią, bliskością i prostymi, codziennymi chwilami, które często umykają nam w biegu. Poniżej znajdziecie pełny, niezmieniony zapis tej wyjątkowej wypowiedzi. Przeczytajcie, co o miłości, pamięci i swoich najbliższych opowiedział legendarny muzyk.


Zawsze powtarzam ludziom, że spośród około 300 piosenek, które John i ja napisaliśmy razem, nigdy nie mieliśmy bezowocnej sesji. Zawsze przychodziliśmy i nigdy nie odchodziliśmy z sesji z niczym. Niedawno rozmawiałem z kimś i ta osoba zapytała mnie o coś, nad czym, jak sądzę, nigdy wcześniej tak naprawdę nie usiadłem, by odpowiedzieć. Powiedział: „Paul, spędziłeś całe życie wśród niesamowitych ludzi. Kim jest pięć osób, które kochasz najbardziej?”. Zapewne się uśmiechnąłem – to znacznie łatwiejsze pytanie niż pytać mnie, kto był największy. „Największy” wywołuje debaty, miłość nie. Albo za kimś tęsknisz, kiedy go nie ma, albo nie. Kiedy jesteś tu tak długo jak ja, poznajesz tysiące ludzi. Niektórzy zostają w twoim życiu na jedno popołudnie, niektórzy na lata, a nieliczni zostają z tobą na zawsze. To zabawne, jak działa pamięć. Ludzie myślą, że spędzam większość czasu na wspominaniu koncertów. Szczerze mówiąc, tak nie jest. Pamiętam drobne rzeczy: czekanie na kogoś, aż pojawi się w studio; siedzenie po tym, jak wszyscy inni poszli już do domu, bo nikt nie chciał być pierwszym, który wyjdzie; wsiadanie do samolotu po kolejnej trasie i wiedza dokładnie, kto będzie siedział po drugiej stronie przejścia i rozśmieszał wszystkich. To są rzeczy, które zostają.
Ludzie zakładają również, że jeśli osiągnęło się sukces, to właśnie o tym myśli się na starość. Tak nie jest. Płyty wciąż tam są, fotografie wciąż tam są, piosenki nigdzie nie zniknęły, ale ludzie – to oni przychodzą ci do głowy jako pierwsi.
   Miałem szczęście znać muzyków, aktorów, artystów, pisarzy – wszelkiego rodzaju wspaniałych ludzi. Niektórzy byli niewiarygodnie utalentowani, niektórzy byli całkowicie niemożliwi, niektórzy sprawiali, że każde pomieszczenie stawało się jaśniejsze w momencie, gdy do niego wchodzili.
     Kiedy zacząłem myśleć o tym pytaniu, pięć nazwisk przyszło mi do głowy niemal natychmiast. Nie dlatego, że byli najbardziej znani, nie dlatego, że zmienili historię, ale dlatego, że zmienili moje życie. Niektórzy z nich zrobili ze mnie lepszego muzyka, niektórzy zrobili ze mnie lepszego męża, niektórzy rozśmieszali mnie, gdy prawdopodobnie potrzebowałem tego bardziej, niż zdawałem sobie sprawę, a kilku z nich odeszło znacznie wcześniej, niż byłem na to gotowy. To trudna część starzenia się – spędzasz więcej czasu na wspominaniu niż na wyczekiwaniu.

Więc to nie jest pięć największych osób, jakie kiedykolwiek znałem, to po prostu pięć osób, które kocham najbardziej.


1. George Martin



   Pierwszą osobą, o której muszę opowiedzieć, jest George Martin. To zapewne nikogo nie zaskoczy. Ludzie od lat nazywają go „piątym Beatlesem” i potrafię zrozumieć dlaczego. Kiedy po raz pierwszy weszliśmy do Abbey Road, byliśmy tylko czterema chłopakami, którym wydawało się, że mają kilka niezłych piosenek. George zobaczył w nas coś, zanim tak naprawdę czegokolwiek dowiedzieliśmy. To znaczy bardzo wiele, kiedy jesteś młody. Ludzie czasem wyobrażają sobie, że on zawsze mówił nam, co mamy robić. Naprawdę tak nie było. Jeśli już, spędzał więcej czasu na słuchaniu niż na mówieniu. Zgraliśmy mu piosenkę, a on siedział tam cicho przez chwilę, po czym dawał jedną sugestię – tylko jedną. I jakimś cudem ta jedna sugestia potrafiła zmienić całą płytę. 
Zawsze to w nim lubiłem – nigdy nie sprawiał, że czułeś, jakby odebrał ci twoją piosenkę. On po prostu pomagał ci znaleźć coś, co już tam było. Studio stało się miejscem, do którego wyczekiwałem powrotu właśnie dzięki George'owi.
  Ludzie słuchają teraz tych płyt i myślą, że wszystko musiało dziać się bardzo szybko. Nie działo się. Spędzaliśmy godziny na próbowaniu rzeczy, które nie działały. Czasami wszyscy patrzyliśmy na siebie i śmialiśmy się, bo właśnie zmarnowaliśmy pół popołudnia. George nigdy nie wyglądał na przejętego tym – mówił po prostu: „Cóż, spróbujmy czegoś innego”. Takim był człowiekiem: bardzo spokojny, bardzo cierpliwy, nie wpadał w panikę.

   
Jedną rzeczą, z której ludzie nie zawsze zdają sobie sprawę, jest to, jak bardzo był ciekawy świata. Miał całą tę wiedzę muzyczną, ale nigdy nie zachowywał się tak, jakby wiedział wszystko. Jeśli John albo ja przychodziliśmy z jakimś dziwnym pomysłem, nie mówił nam, że tego nie da się zrobić. Zwykle mówił: „Zobaczmy”. Czasami to działało, czasami nie, ale zawsze dawał pomysłowi szansę. Patrząc wstecz, myślę, że to jeden z największych prezentów, jakie można dać młodym ludziom: pozwalasz im próbować, pozwalasz im popełniać błędy, pozwalasz im zaskakiwać samych siebie.
     Widziałem George'a wiele lat po zakończeniu The Beatles i był dokładnie tym samym człowiekiem, którego poznałem te wszystkie lata wcześniej: cichy, refleksyjny, nigdy niezainteresowany przypisywaniem sobie zasług. Ludzie pamiętają płyty, które razem nagraliśmy; ja pamiętam człowieka siedzącego za szybą z lekkim uśmiechem na twarzy, czekającego, by usłyszeć, z czym wymyślimy następnym razem.
Kiedy myślę o ludziach, których kocham najbardziej, George Martin jest jednym z pierwszych nazwisk, które przychodzą mi do głowy – nie tylko dlatego, że pomógł ukształtować naszą muzykę, ale dlatego, że pomógł ukształtować nas.

2. Linda McCartney

    Następną osobą, o której muszę opowiedzieć, jest Linda. Nie sądzę, aby ktokolwiek zmienił moje życie bardziej niż ona. Ludzie zazwyczaj znają nas ze zdjęć – widzą nas na premierach albo na scenie z Wings. To, czego nie widzą, to wszystko pomiędzy. Tam właśnie tak naprawdę toczyło się życie. Kiedy poznałem Lindę, znała już mnóstwo sławnych muzyków, więc bycie obok kogoś z The Beatles nie robiło na niej większego wrażenia. Lubiłem to, że rozmawiała ze mną tak samo, jak rozmawiałaby z kimkolwiek innym. Nie było całego tego zamieszania, nie było ekscytacji. Mogłem po prostu być Paulem. To było miłe uczucie.   

     Ludzie myślą, że nasze wspólne życie musiało być glamourowe. Szczerze mówiąc, w większości takie nie było. Lubiliśmy zostawać w domu, lubiliśmy gotować, lubiliśmy zabierać dzieci na zewnątrz, lubiliśmy uciekać na wieś, kiedy tylko mogliśmy. Niektóre z moich najszczęśliwszych wspomnień nie mają nic wspólnego z muzyką – to po prostu wspomnienia rodzinne.
    Jedną rzeczą, którą zawsze podziwiałem w Lindzie, było to, jak bardzo była odważna. Kiedy dołączyła do Wings, ludzie mieli wiele do powiedzenia. Niektórzy byli mili, inni nie. Słyszała to wszystko, a i tak wychodziła na scenę każdego wieczoru. To nie mogło być łatwe. Pamiętam, jak patrzyłem w jej stronę podczas koncertu i myślałem, ile odwagi to wymagało. Większość ludzi nigdy nie ma tysięcy obcych ludzi oceniających ich wszystkich naraz. Linda miała i szła dalej. To coś, co zawsze będę szanował.
 
Miała też sposób na przypominanie mi, co tak naprawdę się liczy. Jeśli zbyt mocno pochłonęła mnie praca, ściągała mnie z powrotem na ziemię. Zawsze była kolejna płyta do nagrania, zawsze kolejna trasa, ale rodzina była tylko jedna. Zrozumiała to długo przede mną.
   
Kiedy zachorowała, wszystko inne zdało się zatrzymać. Ludzie pytają, jak przechodzi się przez coś takiego. Sam tak naprawdę nie wiem. Budzisz się, robisz to, co trzeba zrobić, opiekujesz się dziećmi, idziesz naprzód, bo nie ma innego wyboru. Wciąż myślę o niej cały czas. Czasami, gdy widzę stare zdjęcie, czasami, gdy spaceruję po ogrodzie, czasami bez żadnego powodu. Tak zapewne jest, gdy kochało się kogoś przez tyle lat – nigdy tak naprawdę nie znikają z twojego codziennego życia.
      Kiedy ludzie pytają mnie o największe rzeczy, jakie osiągnąłem, zazwyczaj spodziewają się, że będę mówił o piosenkach. Prawda jest taka, że rodzina jest pierwszą rzeczą, która przychodzi mi do głowy. Linda mi to dała. Dlatego zawsze będzie jedną z osób, które kocham najbardziej.

  

  


3. John Lennon




Następną osobą, o której muszę opowiedzieć, jest John. Przypuszczam, że większość ludzi tego oczekiwała. Nie da się tak naprawdę opowiedzieć mojej historii bez mówienia o nim.
  Po raz pierwszy spotkałem Johna na odpust parafialnym w Liverpoolu. Żaden z nas nie miał najmniejszego pojęcia, dokąd zabierze nas życie. Byliśmy po prostu dwoma chłopakami, którzy kochali muzykę. To wystarczyło.

   Ludzie pytają mnie czasem, jaki John był naprawdę. Zawsze się uśmiecham, bo nie ma jednej odpowiedzi. Potrafił być najdowcipniejszą osobą w pokoju, a pięć minut później być całkowicie poważny, po czym mówił coś tak niespodziewanego, że wszyscy znowu zaczynali się śmiać. Nigdy do końca nie wiedziałeś, co nadejdzie. To była część jego uroku. Spędziliśmy ze sobą tak wiele czasu w tych wczesnych latach, że stało się to normalnością: pisanie piosenek, podróżowanie, czekanie przed występami, siedzenie w furgonetkach godzinami. 

Ludzie widzą płyty, nie widzą całego czasu pomiędzy płytami. Tam właśnie tak naprawdę rozwinęła się nasza przyjaźń. Jedną rzeczą, którą zawsze ceniłem, było to, jak szczery był John. Jeśli podobała mu się piosenka, wiedziałeś o tym. Jeśli mu się nie podobała, też o tym wiedziałeś. Nie było wielkiej tajemnicy w tym, co myślał. To właściwie ułatwiało wspólne pisanie – nie traciło się czasu na zgadywanie.
  Oczywiście sprzeczaliśmy się. Każdy, kto spędza ze sobą tyle czasu, będzie się czasem sprzeczał. Czasami chodziło o muzykę, czasami o coś zupełnie bez znaczenia. Zabawne jest to, że prawie nie pamiętam już, o co były te kłótnie. Pamiętam śmiech znacznie bardziej niż różnice zdań.
  Ludzie spędzili lata na próbach porównywania nas: kto co napisał, kto był ważniejszy. Nigdy nie myśleliśmy o tym w ten sposób, kiedy to przeżywaliśmy. Po prostu próbowaliśmy napisać kolejną dobrą piosenkę. To była nasza praca.
  Po zakończeniu The Beatles życie zmieniło się dla nas obu. Nie byliśmy już razem każdego dnia. Rodziny rosły, kariery szły w różnych kierunkach – tak po prostu się stało. Ale ilekroć rozmawialiśmy, nigdy nie czuliśmy, że musimy zaczynać wszystko od nowa. Było zbyt wiele wspólnej historii na to.
   Kiedy John zginął, cały świat zdał się na chwilę zatrzymać. Każdy pamięta, gdzie był, gdy usłyszał tę wiadomość. Pamiętam, jak żałowałem, że nie mieliśmy więcej czasu. Myślę, że większość ludzi tak ma, gdy tracą kogoś, na kim im zależy. Zawsze wyobrażasz sobie, że będzie kolejna rozmowa, kolejny telefon, kolejna szansa, by usiąść razem. Czasami jej nie ma.
  Kiedy słyszę teraz jedną z naszych starych piosenek, tak naprawdę nie myślę o listach przebojów czy sukcesie. Pamiętam siedzenie obok Johna i próby wykończenia kolejnego tekstu przed czasem na herbatę. To wciąż obraz, który jako pierwszy przychodzi mi do głowy i mam nadzieję, że zawsze tak będzie.




4. George Harrison



    Następną osobą, o której muszę opowiedzieć, jest George Harrison. Znam George'a, odkąd byliśmy dziećmi. Wtedy był najmłodszy w zespole i nie sądzę, by wielu ludzi zdawało sobie sprawę, jak dobry już wtedy był.
   Był cichszy niż reszta z nas. John i ja zazwyczaj mówiliśmy najwięcej, George chętnie siedział i słuchał, a potem raz na jakiś czas rzucał jedno zdanie, które rozśmieszało wszystkich. Miał ten rodzaj humoru: bardzo suchy, bardzo cięty.
 Ludzie pamiętają George'a z gry na gitarze i słusznie – miał wyraziste, piękne wyczucie. Nigdy nie wydawał się zainteresowany graniem większej liczby nut niż potrzebował. Jeśli jedna nuta robiła swoje, to mu wystarczało. Zawsze to podziwiałem.
    Spędziliśmy razem tak wiele lat, że trudno oddzielić jedno wspomnienie od drugiego: Hamburg, Liverpool, Londyn, Ameryka... jedno miejsce zdawało się prowadzić prosto do następnego. W tamtym czasie zapewne myśleliśmy, że to będzie trwało wiecznie. Kiedy jesteś młody, tak naprawdę nie myślisz o czasie, po prostu idziesz naprzód.
 
 Ludzie pytają czasem, czy byliśmy tak blisko po rozpadzie The Beatles. Pod pewnymi względami tak, pod innymi życie po prostu się zmieniło. Tak się dzieje: każdy zakłada rodzinę, każdy ma inne pomysły na to, co chce robić dalej. To nie znaczy, że przyjaźń znika, po prostu wygląda inaczej.
Jedną rzeczą, którą zawsze doceniałem, było to, jak bardzo George dojrzał. Pod koniec istnienia The Beatles był nie tylko genialnym gitarzystą, ale pisał wspaniałe piosenki. Nie sądzę, by to zaskoczyło któregokolwiek z nas – widzieliśmy, jak to się działo krok po kroku. Ludzie po prostu zauważyli to nieco później.
 
 Ilekroć spotykaliśmy się po latach, nigdy nie czuliśmy, że musimy czegokolwiek udawać. Graliśmy na gitarach, rozmawialiśmy o muzyce, rozmawialiśmy o ogrodnictwie, czasami rozmawialiśmy o absolutnie niczym. To były jedne z moich ulubionych popołudni: bez kamer, bez harmonogramów, po prostu starzy przyjaciele. 
    Kiedy George zachorował, było ciężko. Nikt nie lubi patrzeć, jak ktoś, kogo zna się od czasów nastoletnich, przechodzi przez coś takiego. Żałujesz, że nie ma czegoś, co mógłbyś zrobić, ale zazwyczaj nie ma nic.Wciąż myślę o nim ilekroć biorę do ręki gitarę. Nie dlatego, że próbuję – to się po prostu dzieje. Pewne dźwięki przypominają mi o nim, pewne akordy, pewne małe frazy. Przypuszczam, że tak się dzieje po dzieleniu z kimś tak dużej części życia – stają się częścią sposobu, w jaki słyszysz świat.
    Kiedy myślę o ludziach, których kocham najbardziej, George Harrison zawsze tam jest – nie tylko dlatego, że byliśmy razem w The Beatles, ale  dlatego, że był moim przyjacielem długo zanim świat dowiedział się, kim którykolwiek z nas jest. 
 
 
 


5. Ringo Starr

 Ostatnią osobą, o której chcę opowiedzieć, jest Ringo. Niektórzy mogliby oczekiwać, że będzie wyżej na liście. Prawda jest taka, że w tym nigdy nie chodziło o cyfry. To po prostu pierwsze pięć osób, które przyszły mi do głowy, no i nie mogłem skończyć bez opowiedzenia o Ringo.
  Znamy się przez większość naszego życia. To dziwna rzecz do powiedzenia, gdy się zatrzymasz i o tym pomyślisz. Nie ma wielu ludzi, którzy pamiętają cię, zanim świat poznał twoje nazwisko. Ringo pamięta.
  Ludzie czasem zapominają, jak wiele czasu nasza czwórka spędziła razem. Widzą zdjęcia, słyszą albumy; to, czego nie widzą, to te wszystkie godziny pomiędzy: długie jazdy, długie loty, czekanie za kulisami, czekanie w studiach, czekanie w hotelach. Spędzasz tak wiele lat robiąc to z kimś i stają się kimś więcej niż kolegą z zespołu – stają się częścią twojego codziennego życia.
 

Jedną rzeczą, którą zawsze lubiłem w Ringo, jest to, że sprawia, iż rzeczy wydają się łatwiejsze. Zawsze tak miał. Jeśli atmosfera stawała się zbyt poważna, Ringo zazwyczaj znajdował sposób, by ją rozładować. Czasami to był żart, czasami po prostu wyraz jego twarzy. On... ma wspaniałe wyczucie czasu – nie tylko za perkusją, ale także w życiu.  Ludzie mówią o tym, jak świetnym jest perkusistą – nigdy z tym nie dyskutuję. Zawsze grał dokładnie to, czego potrzebowała piosenka: nic więcej, nic mniej. To trudniejsze niż ludziom się wydaje. Zawsze wierzyłem, że jednym z powodów, dla których The Beatles brzmieli jak The Beatles, był właśnie Ringo. Nikt inny nie grał tak jak on.
   Po zakończeniu zespołu życie zabrało nas wszystkich w różnych kierunkach. To całkowicie naturalne. Ale jedną rzeczą, za którą jestem wdzięczny, jest to, że Ringo zawsze tam był. Świętowaliśmy razem urodziny, znów razem graliśmy muzykę, śmialiśmy się z historii, które zapewne nie miałyby większego sensu dla nikogo innego. To miła rzecz w starych przyjaciołach: nie musisz wyjaśniać, gdzie zaczyna się historia, oni już to wiedzą.Kiedy dzieli się tak wiele historii, cisza też jest wygodna. Możecie siedzieć razem w pokoju, nie mówiąc zbyt wiele. To coś, co doceniam bardziej, w miarę jak się starzeję.



     Ludzie często pytają mnie, za czym najbardziej tęsknię z tych wczesnych lat. Czasami za muzyką, czasami za ekscytacją, ale najczęściej po prostu za ludźmi: za rozmowami, których nikt nie nagrał, za żartami, których nikt inny nie słyszał, za zwykłymi dniami, które w tamtym czasie nie wydawały się ważne.
    Patrząc wstecz, zdaję sobie sprawę, jak wielkim byłem szczęściarzem. Muzyka dała mi karierę, jakiej nigdy nie mogłbym sobie wyobrazić, pozwoliła mi podróżować po świecie, przedstawiła mnie milionom ludzi. Ale największą rzeczą, jaką kiedykolwiek mi dała, nie była sława – była nią przyjaźń.
   Kiedy myślę o George’u Martinie, myślę o cierpliwości.
Kiedy myślę o Lindzie, myślę o domu.
Kiedy myślę o Johnie, myślę o wspólnym dorastaniu.
Kiedy myślę o George’u, myślę o lojalności.
A kiedy myślę o Ringo, myślę o przyjacielu, który wciąż tu jest po tych wszystkich latach.
   Nie mierzę mojego życia liczbą sprzedanych płyt czy liczbą zagranych koncertów. Mierzę je ludźmi, z którymi miałem szczęście je dzielić. To są wspomnienia, do których wracam i mam przeczucie, że zawsze będę.
 
Patrząc wstecz, nie myślę o moim życiu kategoriami albumów, nie myślę o pozycjach na listach przebojów, nie myślę o nagrodach. Ludzie są zawsze zaskoczeni, gdy to mówię. Spodziewają się, że ktoś, kto spędził całe życie na nagrywaniu płyt, będzie mierzył życie muzyką. Ja tak naprawdę nigdy tego nie robiłem. Piosenki otworzyły drzwi, ale ludzie są powodem, dla którego cieszę się, że przez nie przeszedłem.
  Gdy myślę o George'u Martinie, pamiętam, jak cierpliwy był wobec czterech młodych muzyków, którzy mieli więcej entuzjazmu niż doświadczenia. Gdy myślę o Lindzie, myślę o domu, myślę o rodzinie, myślę o tych wszystkich zwykłych dniach, które okazały się tymi wartymi zapamiętania. Gdy myślę o Johnie, pamiętam siedzenie z gitarą i próby dokończenia kolejnej piosenki, zanim ktoś powiedział nam, że czas się pakować. Gdy myślę o George'u, pamiętam jego ciche poczucie humoru i sposób, w jaki czasem mówił najzabawniejszą rzecz w pokoju, nawet się o to nie starając. A gdy myślę o Ringo, myślę o starym przyjacielu, który wciąż potrafi mnie rozśmieszyć po tych wszystkich latach.
  Przypuszczam, że tak się dzieje, gdy miało się szczęście dzielić życie z dobrymi ludźmi: przestajesz liczyć osiągnięcia, zaczynasz liczyć przyjaźnie.
   Z wiekiem coraz bardziej zdaję sobie sprawę, że sukces ma zabawny sposób na znikanie w tle. Koncerty się kończą, nagłówki gazet znikają, nowe płyty zastępują stare, ale ludzie, którzy stali obok ciebie – oni zostają, nawet gdy już odeszli. Czasami wystarczy usłyszeć starą piosenkę w radiu albo wejść do pokoju, który przypomina ci o innym czasie, i nagle znów tam są, choćby na chwilę.
   Nie wiem, czy to pamięć, czy wdzięczność – może po trochu jednego i drugiego. Tak czy inaczej, niczego bym nie zmienił. Miałem szczęście żyć życiem, jakiego nigdy nie mogłem sobie wyobrazić jako dzieciak dorastający w Liverpoolu. Ale jeśli zapytasz mnie, za co jestem najbardziej wdzięczny, to nie byłaby muzyka – byliby to ludzie, których muzyka sprowadziła do mojego życia.

  To są wspomnienia, których zawsze będę się trzymał i mam nadzieję, że gdziekolwiek teraz są, wiedzą, jak wiele dla mnie znaczyli..

 


 


 


Historia The Beatles
History of  THE BEATLES









George Martin o Fab Four raz jeszcze.


 




 Jeśli mam ich oceniać wyłącznie na podstawie tego, czego teraz słucham, to przykro mi, ale będę musiał ich odrzucić. Była to odpowiedź George'a Martina na propozycję podpisania kontraktu przedstawioną mu przez Briana Epsteina. Producent uznał, że sama taśma nie daje wystarczających podstaw do podjęcia decyzji. Jednocześnie zauważył, że Epstein był niezwykle szczerym i zaangażowanym człowiekiem, dlatego dał mu „szansę ratunkową” — zaprosił zespół na próbne nagranie. 
 
 
To głupia nazwa. Kto chciałby założyć zespół o nazwie "Chrząszcze" (Beetles) ? Brian Epstein wyjaśnił mu, że chodzi o grę słów — Beatles, z „a” nawiązującym do słowa beat. 
 

 

 Byli zuchwali, bezczelni w sympatyczny sposób, i mieli w sobie ten szczególny blask.
 
W świecie show-biznesu legendarna już dzisiaj sesja nagraniowa The Beatles dla wytwórni Decca z 1962 roku wspomniana jest zwykle jako gigantyczna, wręcz podręcznikowa porażka łowców talentów, którzy po prostu nie poznali się na czterech chłopcach z Liverpoolu. Z drugiej strony mówiło się też, że sami Beatlesi wypadli tamtego dnia dość blado, spięci i niepewni. Jednak po latach, gdy John Lennon przesłuchiwał taśmy z tej słynnej sesji ([tutaj możecie posłuchać Decca Sessions]), podsumował to krótko i w swoim stylu: zgrali naprawdę OK, po prostu nie dostali szansy.
Ale wiedzą o tym wszyscy fani Fab Four – i pisałem o tym na blogu już nie raz – że to odrzucenie przez Decca było dla nich najlepszym, co mogło się wydarzyć. Było niczym zrządzenie losu.
   
Dzięki tej odmowie trafili prosto pod skrzydła George’a Martina. Kto wie, jak potoczyłyby się ich losy, gdyby za konsoletą usiadł ktoś inny? George był nie tylko genialnym muzykiem i producentem, ale też cierpliwym mentorem, który idealnie zrozumiał ich szaleństwo, wrażliwość i humor. Narzędzia i przestrzeń, które im dał, pozwoliły rozkwitnąć ich muzyce w sposób wręcz kosmiczny. Oczywiście, ich niesamowity talent i tak obroniłby się sam i prędzej czy później wybił na wierzch. Ale to właśnie spotkanie z Martinem sprawiło, że zamiast zwykłego zespołu z przebojami w radiu, stali się muzyczną legendą, która zmieniła świat na zawsze. 
Kiedy spotkałem ich po raz pierwszy w 1962 roku, ich materiał był fatalny. Ich piosenki… no cóż, ‘One After 909’? Co to w ogóle było? To były głupie rzeczy. Naprawdę niezbyt dobre. Ale mieli w sobie potencjał. I mieli charyzmę.
   

 
Kiedy spotkałem ich po raz pierwszy, nie było wśród nich wyraźnego lidera. Wszyscy po kolei zabierali głos, a ja wróciłem do domu, zastanawiając się, który z nich zostanie gwiazdą.
Historie o tym, jak George Martin spotkał The Beatles i jak kształtowała się ich muzyczna droga, doskonale już znacie z mojego bloga. O legendarnej sesji w Abbey Road i początkowym dystansie słynnego producenta napisano już właściwie wszystko.
​Ostatnio trafiłem jednak na krótki archiwizm – nagranie, na którym Sir George Martin opowiada tę historię swojej małej wnuczce. I choć sam początek brzmi znajomo, to ostatnie słowa z tego filmu poruszyły mnie w absolutnie wyjątkowy sposób. Jestem przekonany, że z Wami będzie dokładnie tak samo.
​Gdy Martin wspomina pierwsze przesłuchanie Czwórki z Liverpoolu, mówi wprost: muzycznie było po prostu w porządku, nic nadzwyczajnego. Bez błysku, bez natychmiastowego zachwytu. Prawdziwa magia nie wybuchła wcale w momencie uderzenia w struny czy pierwszych dźwięków gitary. Polakierowany świat wielkiego show-biznesu często każe nam wierzyć w genialne objawienia i błyskawiczne "to coś". A tu historia potoczyła się zupełnie inaczej. 
Moje myślenie było tak ukształtowane przez sukces ludzi takich jak Tommy Steele i Cliff Richard, że nie potrafiłem sobie wyobrazić, aby zespół mógł odnieść sukces jako zespół. Bardzo się myliłem. 
​Magia pojawiła się chwilę później – w rozmowie. W tym, jakimi byli ludźmi: dowcipnymi, bystrymi, pełnymi ciepła i bezpretensjonalnego uroku. George Martin nie zakochał się od razu w ich piosenkach; zauroczył się po prostu ich obecnością. Przekonał go fakt, że byli to ludzie, z którymi po ludzku, zwyczajnie chciało się być.
​To piękne przypomnienie, że u podstaw największego fenomenu w historii muzyki rozrywkowej nie stała od pierwszej sekundy chłodna kalkulacja ani obezwładniający wirtuozeria, lecz zwykła,
czysta ludzka chemia i poczucie, że spotkało się kogoś wyjątkowego.
Zresztą, zobaczcie sami całą tę wypowiedź Sir George’a Martina — tytuł szlachecki z rąk królowej Elżbiety II otrzymał w 1996 roku za swoje ogromne zasługi dla przemysłu muzycznego. Legendarny producent, nazywany często „piątym Beatlesem”, odszedł w 2016 roku w wieku 90 lat, pozostawiając po sobie historię, do której zawsze wraca się z ogromnym sentymentem.
   
 
 ​Oto co dokładnie powiedział swojej wnuczce:  Słuchałem tego, co nagrali – to było niezłe, ale nie było genialne. Pomyślałem sobie: »Dlaczego właściwie miało wyjść z tego coś ciekawego?«. Jednak magia pojawiła się wtedy, gdy zacząłem ich poznawać, bo byli wspaniałymi ludźmi. Byli dowcipni, byli bardzo bystrzy, mówili same miłe rzeczy i byli po prostu takimi ludźmi, z którymi chciało się przebywać. Pomyślałem więc: »Jeśli ja tak do nich czuję, to inni ludzie też tak poczują, więc powinni stać się bardzo popularni«. I zacząłem nagrywać z nimi płyty.”
 

   Zobaczcie ten krótki fragment sami:
 
John Lennon i Paul McCartney byli całkiem dwiema odrębnymi osobowościami — bardzo do siebie podobnymi, a jednocześnie tworzącymi zupełnie różnego rodzaju muzykę. Gdyby w ciągu całego życia trafił się człowiek z talentem któregokolwiek z nich, można by uważać się za szczęściarza. A tutaj miałem dwóch takich ludzi, pracujących razem.


I był jeszcze trzeci facet, który nazywał się Harrison — też nie był zły. Mieli kiepskiego perkusistę, którego się pozbyli. A potem pojawił się inny facet, znacznie lepszy perkusista, a przy tym dość ekscentryczna osobowość, z talentem do rzucania świetnych, krótkich żartów.

Kiedy jesteś z nimi, czujesz się wzbogacony ich obecnością. A kiedy odchodzą, czujesz się trochę uboższy

 

Tutaj jeszcze kilka wspomnień z początków relacji George Martin z Beatlesami, cała "piątka Beatlesów". 


Historia The Beatles
History of  THE BEATLES





Niesamowita "7" The Beatles - wg. Jimmy Page'a

 

 

Do ścisłej czołówki gigantów muzyki rockowej niewątpliwie należy zespół Led Zeppelin, którego siłą napędową oraz architektem brzmienia hardrockowego i heavymetalowego był Jimmy Page. Robert Plant pisał nieprawdopodobne teksty, choć miał też oczywiście ogromny wpływ na samą muzykę. Nie będę jednak mocniej rozwijał tego wątku – to materiał na oddzielny post (pewnie na moim drugim blogu), bo musiałbym się rozpisać również o roli dwóch pozostałych członków tej kapeli, którzy wcale nie byli tylko tłem dla wspomnianej dwójki. Dzisiaj czas na post zainspirowany materiałem znalezionym na YouTube. Trudno go było zignorować na tym blogu, gdy ktoś taki – prawdziwy heros hard rocka – składa ukłon jego bohaterom. Przed Wami: Jimmy Page i 7 utworów The Beatles, które zmieniły gitarowy świat.

Często myślimy o The Beatles w kategoriach genialnych melodii, popowych rewolucji i piosenek, które śpiewał cały świat. Łatwo jednak zapomnieć, że Lennon, McCartney i Harrison byli przede wszystkim innowatorami gitarowego brzmienia. Przekonałem się o tym po raz kolejny, oglądając materiał, w którym sam Jimmy Page – architekt brzmienia Led Zeppelin i jeden z największych gitarzystów w historii – analizuje geniusz Beatlesów na przykładzie siedmiu konkretnych utworów. Page nie słuchał ich jak zwykły fani. On ich analizował, studiował i czerpał z nich garściami. Zobaczcie, na które utwory Wielkiej Czwórki z Liverpoolu wskazał mistrz i co takiego w nich dostrzegł.  Nawet pionierzy hard rocka i ciężkich brzmień potrzebowali inspiracji. Dla Jimmy'ego Page'a Beatlesi nie byli tylko popową kapelą, ale prawdziwym laboratorium nowoczesnego grania na gitarze. Oto 7 utworów, które Page uznał za absolutnie kluczowe dla każdego gitarzysty. Post ilustruję czy wzbogacam konkretnymi wypowiedziami członków Led Zeppelin na temat Fabsów i ich wpływu na zespół. Dodałem też kilka wypowiedzi Beatlesów o kapeli Page'a i Planta. Warto tutaj bym dodał, że Paul McCartney po latach tworząc swój wymarzony band to uznał Johna Bonhama za najlepszego perkusistę (pamiętam, że jako wokalistę wybrał Elvisa a Hendrixa jako gitarzystę). Tytuł każdej piosenki zawiera link do jej szczegółowego opisu. 

JIMMY PAGE: Beatlesi byli zespołem, który w studiu robił rzeczy całkowicie bezprecedensowe. Każdy ich album był krokiem w przyszłość. Łamali wszelkie panujące zasady nagrywania i robili to z niezwykłą gracją. Dla każdego z nas, którzy wtedy pracowali w studiach jako muzycy sesyjni, ich płyty były jak podręcznik tego, co w ogóle jest możliwe do osiągnięcia na taśmie... Led Zeppelin a Beatlesi i Stonesi ? Led Zeppelin było w swojej własnej lidze… bez ujmy dla Beatlesów czy Stonesów – oni byli modnymi zespołami, ciągle w prasie, a Led Zeppelin nie. Nam zależało tylko na muzyce.

JOHN LENNON: Wiecie, ja po prostu myślę: albo mi się coś podoba, albo nie; albo jest ciężkie, albo lekkie. Lubię ciężką muzykę – nazywam to rockiem. Lubię Zeppelina, słyszałem tylko parę kawałków, ale są OK...  Nie wiem właściwie za dużo, o co im chodzi, ale jedno jest pewne: Jimmy Page to cholernie dobry gitarzysta. [Według relacji dziennikarki Lisy Robinson Lennon słuchał też „Stairway to Heaven” i był pod wrażeniem utworu.]

7. And Your Bird Can Sing (1966)

 

Niektóre wykonania gitarowe stają się sławne, ponieważ są trudne technicznie. Inne stają się legendarne, ponieważ brzmią tak, jakby były zagrane bez najmniejszego wysiłku. Dla Jimmy'ego Page'a „And Your Bird Can Sing” zdecydowanie należy do tej drugiej kategorii. Utwór zawiera jeden z najbardziej cenionych dwugłosów gitarowych (twin guitar) w historii rocka, dowodząc, że w pamiętnej grze na gitarze nie chodzi o popisywanie się – chodzi o precyzję, równowagę i melodię. Od pierwszych nut przeplatające się gitary prowadzące poruszają się z niezwykłą jednością, tworząc harmonie, które pozostają zarówno imponujące technicznie, jak i natychmiast wpadające w ucho. Każda fraza jest starannie dopracowana i żadna z gitar nie zagłusza drugiej. Zamiast tego idealnie się uzupełniają, tworząc brzmienie, które inspirowało pokolenia muzyków rockowych. Ten poziom muzycznej dyscypliny niezwykle trafiał do Page'a. Jako jeden z największych aranżerów rocka rozumiał, że najlepsze partie gitarowe służą piosence, zanim zaczną służyć samemu muzykowi. „And Your Bird Can Sing” demonstruje dokładnie tę zasadę, łącząc zawiłą wirtuozerię z nieodpartym, popowym pisaniem piosenek. Dla Jimmy'ego Page'a nie był to po prostu kolejny klasyk Beatlesów. Była to lekcja gitarowej harmonii, muzycznej pracy zespołowej i gustownego umiaru – cech, które każdy poważny gitarzysta powinien przestudiować na długo przed próbą szybszej lub głośniejszej gry. Dla Page’a kluczowa była tutaj genialna harmonia dwóch współgrających ze sobą gitar prowadzących. George Harrison i John Lennon zagrali podwójną partię solową w dwugłosie, co na tamte czasy było czymś niezwykle skomplikowanym i rzadkim. Jimmy widział w tym nagraniu absolutną szkołę gitarowej harmonii – i to na długo przed tym, zanim ten styl dopracowały do perfekcji takie zespoły jak Thin Lizzy czy Wishbone Ash.

JIMMY PAGE: Gdyby nie The Beatles, muzyka rockowa wyglądałaby zupełnie inaczej. Oni pokazali nam wszystkim, że zespół rockowy może opierać się na autorskim materiale, rozwijać się z płyty na płytę i nie dawać zamknąć w żadnej szufladce. Dali nam wolność artystyczną, z której my w Led Zeppelin potem w pełni korzystaliśmy. 

6. Day Tripper (1965)


 

Każdy gitarzysta marzy o napisaniu riffu, który ludzie rozpoznają w kilka sekund. Beatlesi dokonali dokładnie tego w „Day Tripper”. Dla Jimmy'ego Page'a ten utwór jest jednym z najlepszych dowodów na to, jak pojedynczy pomysł gitarowy może zdefiniować całe nagranie. Na długo zanim zespoły rockowe zaczęły budować piosenki wokół potężnych riffów, Beatlesi pokazali już, że prosta, inspirowana bluesem fraza może stać się niezaprzeczalną tożsamością utworu. Genialność tego riffu tkwi w jego oszczędności – nie jest szybki, nie jest efekciarski, a jednak każda nuta ma swój cel, tworząc nieodparty groove, który napędza kawałek od początku do końca. Ta umiejętność przekazania tak wiele za pomocą tak niewielu środków była zawsze jedną z cech, które Page najbardziej podziwiał w świetnym pisaniu na gitarę. Co równie ważne, riff nigdy nie przysłania samej piosenki. Działa ręka w rękę z wokalem, sekcją rytmiczną i melodią, dowodząc, że w zapamiętywalnej grze na gitarze chodzi o wzbogacanie muzyki, a nie o jej dominowanie. Dla Jimmy'ego Page'a „Day Tripper” to lektura obowiązkowa, ponieważ uczy jednej z najcenniejszych lekcji, jakich może nauczyć się gitarzysta: najwspanialsze riffy niekoniecznie są tymi najbardziej skomplikowanymi – to te, które zostają z tobą na zawsze. Ponadczasowy wzorzec rockowej gitary i klasyk Beatlesów, który każdy gitarzysta powinien znać na pamięć. To przede wszystkim genialna lekcja tworzenia nieśmiertelnego, gitarowego „haka”. Motyw z tego utworu stał się fundamentem pod cały hard rock lat 70's, pokazując, jak zbudować dynamikę całego kawałka na jednym, idealnie wyważonym i powtarzanym riffie – co zresztą stało się później znakiem rozpoznawczym samego Led Zeppelin.
JOHN BONHAM: The Beatles byli genialni w studiu, podczas gdy Led Zeppelin żyli dla sceny. 
ROBERT PLANT: Wokal Johna Lennona w "Twist and Shout" czy "Money" to był dla mnie absolutny punkt zwrotny. Zrozumiałem wtedy, że śpiewanie rock and rolla wymaga całkowitego odsłonięcia się oraz bezkompromisowej agresji.
PAUL McCARTNEY: Robert Plant to po prostu jeden z najlepszych wokalistów wszech czasów. Pamiętam, jak poszedłem na ich koncert w latach 70. – to była absolutna potęga. Widziałem te wszystkie efekty, lasery na scenie i pomyślałem: 'Mój Boże, ci faceci zaraz nas tu wszystkich spalą!'. Byli niesamowicie mocni na żywo. 
GEORGE HARRISON: Byłem oszołomiony ich energią i wytrzymałością na scenie. Byłem zaskoczony, że zagrali trzyczęściowy set, podczas gdy koncerty Beatlesów były znacznie krótsze. 

5. I Feel Fine (1964)


 

Innowacja nie zawsze przychodzi wraz ze skomplikowanymi solówkami czy drogim sprzętem. Czasami zaczyna się od jednego, niespodziewanego dźwięku. To jest dokładnie powód, dla którego Jimmy Page od dawna podziwia „I Feel Fine”. Zanim piosenka w ogóle się zacznie, słuchacze słyszą to, co stało się jednym z najbardziej wpływowych momentów w historii rocka: pierwsze celowo nagrane sprzężenie gitarowe (feedback) na komercyjnej płycie popowej. W czasach, gdy większość muzyków traktowała sprzężenie jako błąd, którego należy unikać, Beatlesi przyjęli je jako część wykonania, otwierając drzwi do całkowicie nowych możliwości dla gitary elektrycznej. Dla gitarzysty tak poszukującego jak Page, ta bezkompromisowa postawa była rewolucyjna. Sama piosenka jest równie imponująca. Zbudowana wokół zwartego, bluesowego riffu, pokazuje, jak pamiętny motyw gitarowy może zakotwiczyć całą aranżację bez przytłaczania melodii. Każdy element wydaje się idealnie zbalansowany, pozwalając klimatowi songu pozostać silnym, podczas gdy wokale pozostają na pierwszym planie. To połączenie kreatywności i dyscypliny sprawiło, że to nagranie miało tak ogromny wpływ. Dla Jimmy'ego Page'a „I Feel Fine” daje gitarzystom bezcenną lekcję: nie bój się rzucać wyzwania konwencjom. Czasami dźwięk, który inni uważają za błąd, staje się właśnie tym, co zmienia muzykę na zawsze. Przełomowy riff, historyczne nagranie i jedna z piosenek Beatlesów, którą każdy gitarzysta powinien zrozumieć – nie tylko ze względu na to, jak jest zagrana, ale za to, jak odważnie na nowo zdefiniowała możliwości gitary elektrycznej. Wszyscy myśleli, że to przypadek albo błąd w studiu, ale to było absolutnie zamierzone. John położył gitarę przy wzmacniaczu i wywołał to słynne sprzężenie zwrotne na A-strunie. Przed Beatlesami nikt nie odważył się umieścić czegoś takiego na oficjalnym nagraniu. To zmieniło wszystko – nagle przester i sprzężenie przestały być wrogiem realizatora dźwięku, a stały się nowym instrumentem ekspresji dla gitarzysty.” Ten kawałek to pierwszy w historii muzyki rozrywkowej przypadek celowego użycia sprzężenia gitarowego w studiu. Zanim jeszcze pojawił się Hendrix czy właśnie Led Zeppelin, John Lennon oparł gitarę o wzmacniacz i stworzył charakterystyczne „buczenie”, które otwiera cały utwór. Dla Page’a był to absolutny dowód na to, że Beatlesi jako pierwsi mieli odwagę potraktować przester i reakcję wzmacniacza jako pełnoprawny instrument muzyczny.
 
JIMMY PAGE: W muzyce Beatlesów niesamowite było to, że nie ważne jak skomplikowane stawały się ich pomysły w studiu – zawiłe harmonie, nietypowe podziały rytmiczne, efektory – w sercu każdej piosenki zawsze leżała genialna kompozycja. Piosenka zawsze była na pierwszym miejscu. Partie gitarowe nigdy nie były tam doklejane na siłę; one idealnie służyły całości. 

4. Ticket To Ride  (1965)




Ciężka muzyka gitarowa nie pojawiła się nagle wraz z hard rockiem pod koniec lat 60. Jej fundamenty zostały położone całe lata wcześniej, a jednym z najwyrazistszych przykładów jest „Ticket to Ride”. Dla Jimmy'ego utwór ten reprezentuje kluczowy moment w ewolucji gitary rockowej. Choć został wydany w popowej erze Beatlesów, jego ciemniejszy ton, ciężki rytm i potężna, oparta na gitarze aranżacja zapowiadały znacznie cięższą przyszłość. To, co od razu rzuca się w oczy, to gitara rytmiczna – zamiast jasnego, szybkiego uderzania w struny, utwór zbudowany jest wokół celowego, „muskularnego” groove'u, który daje mu niezwykłe poczucie mocy. W połączeniu z charakterystycznym wzorem perkusyjnym Ringo Starra i stabilną linią basu Paula McCartneya, rezultat brzmi zaskakująco nowocześnie nawet według dzisiejszych standardów. To nowatorskie podejście było dokładnie tym, co trafiało do Page'a. Jako ktoś, kto później na nowo zdefiniuje hard rock z Led Zeppelin, rozumiał, jak fundamentalny dla stworzenia pamiętnego utworu jest silny fundament gitarowy. „Ticket to Ride” dowodzi, że ciężaru nie mierzy się samym przesterem – tworzy się go poprzez wyczucie, dynamikę i rytmiczną pewność. Page'a uznaje to nagranie za mistrzowską lekcją aranżacji i gitarowego rytmu. Łączy przepaść między klasycznym popem a cięższą muzyką rockową, która miała nadejść tuż po nim. Przełomowe nagranie, wzorzec dla niezliczonych zespołów gitarowych i piosenka Beatlesów, którą każdy poważny gitarzysta powinien mieć w swoim repertuarze. Co dostrzegł Jimmy w utworze: wczesny fundament pod ciężkie, hardrockowe brzmienie i potęgę gitarowego rytmu. Także jego geniusz, bo choć utwór powstał jeszcze w stricte popowej erze Beatlesów, Page widział w nim absolutnie przełomowy moment. Zamiast lekkiego, szybkiego akompaniamentu, Lennon i spółka postawili na celowy, „muskularny” i niemal chamski groove. W połączeniu z charakterystyczną perkusją Ringo i mocnym basem McCartneya powstało nagranie o niesamowitej masie. Dla Page’a była to lekcja, że ciężar w muzyce rockowej nie bierze się z samego odkręcenia przesteru, ale z dynamiki, rytmicznej pewności i wyczucia.

JIMMY PAGE: Myślę, że to klasyczny przykład zespołu, który wykazał ogromny rozwój i dojrzałość w swojej muzyce w ciągu lat, kiedy działał. Szczerze mówiąc, wczesne płyty nie są czymś, o czym warto pisać do domu, ale kiedy doszli do ‚Magical Mystery Tour’, to naprawdę działo się coś ważnego.

ROBERT PLANT: Bardzo szanowałem to, czego dokonali The Beatles, i uważam, że pomogli przesunąć rock muzykę na wyższy poziom, ale wolę ich wcześniejsze piosenki niż te większe, bardziej komercyjne, które nagrywali później.

 

 

3. While My Guitar Gently Weeps  (1968)


Prawdziwie wielki gitarzysta wie, że emocje zawsze przetrwają techniczną brawurę. To jeden z powodów, dla których Jimmy Page zawsze podziwiał „While My Guitar Gently Weeps”. Napisana przez George'a Harrisona na „Biały Album”, piosenka zbudowana jest na uczuciu, a nie na efekciarstwie. Jej niespieszna aranżacja pozwala każdemu instrumentowi oddychać, tworząc przestrzeń dla jednego z najbardziej ekspresyjnych wykonań gitarowych, jakie kiedykolwiek uwieczniono na płycie Beatlesów. Dodatek legendarnej gitary prowadzącej Erica Claptona wznosi ten utwór jeszcze wyżej. Zamiast wypełniać każdy takt nutami, Clapton wybiera każdą frazę niezwykle starannie, pozwalając podciągnięciom strun (bends), wybrzmiewaniu (sustain) i wibrato przekazywać emocje, których słowa nie są w stanie wyrazić. To mistrzowska lekcja gry z wyczuciem. Ta filozofia blisko odzwierciedla własne podejście Page'a. Niezależnie od tego, czy grał z Led Zeppelin, czy pracował w studiu, zawsze wierzył, że gitara powinna opowiadać historię, a nie po prostu pokazywać umiejętności techniczne. Dla Page'a to właśnie sprawia, że to nagranie jest tak niezbędne dla początkujących gitarzystów. Uczy powściągliwości, uczy dynamiki, a nade wszystko uczy ekspresji. Każda nuta służy piosence, każda fraza niesie ciężar emocjonalny. „While My Guitar Gently Weeps” dowodzi, że najbardziej niezapomniane partie gitarowe niekoniecznie są tymi najszybszymi – to te, które sprawiają, że słuchacz coś czuje. Ponadczasowa lekcja muzycznej ekspresji i arcydzieło Beatlesów, które każdy gitarzysta powinien studiować przez całe życie. Ten utwór ujął Page’a niezwykłym wyczuciem przestrzeni, emocjami oraz gościnnym udziałem Erica Claptona. George Harrison stworzył kompozycję o niesamowitej głębi, w której solówka Claptona idealnie stapia się z całym klimatem nagrania. Dla Jimmy’ego to absolutny wzór tego, jak gitara może dosłownie „płakać” i przekazywać najgłębsze emocje – bez zbędnego,technicznego popisywania się.
 
JIMMY PAGE: Napisałem "The Rain Song"… Pewnie zauważycie, że cytuję nawet ‚Something” w pierwszych dwóch akordach tego utworu... George [Harrison] pewnego wieczoru rozmawiał z [Johnem Bonhamem] i powiedział: ‚Problem z wami jest taki, że nigdy nie robicie ballad’. … Pewnie powiedział to lekko, żartobliwie. Chyba nie słuchał za dużo Led Zeppelin. 
JOHN BONHAM: To było kilka lat temu, ale kiedy pierwszy raz poszedłem zobaczyć Beatlesów, to było po to, żeby na nich popatrzeć; tak naprawdę nie przejmowałeś się tym, czego słuchasz, a dzisiaj nie liczy się to, kim jesteś, tylko to, co grasz. 

2. I Want You (She's So Heavy) (1969)


Niektóre gitarowe riffy nie tylko wspierają piosenkę – one stają się piosenką. To jest dokładnie to, co czyni „I Want You (She’s So Heavy)” tak kluczowym nagraniem dla każdego, kto poważnie myśli o gitarze rockowej. Dla Jimmy'ego Page'a utwór ten stanowi jeden z najodważniejszych przykładów tego, jak powtarzalność, brzmienie i dynamika mogą stworzyć przytłaczającą moc. Zamiast polegać na skomplikowanych zmianach akordów czy szybszych solówkach, Beatlesi zbudowali utwór wokół potężnego, hipnotyzującego riffu gitarowego, który staje się cięższy z każdą mijającą minutą. Genialność tkwi w umiarze. Powtórzenie buduje napięcie, podczas gdy nakładane warstwowo gitary, grzmiący bas i bezlitosna sekcja rytmiczna tworzą atmosferę, która wydaje się niemal filmowa. To podejście stało się później kamieniem węgielnym hard rocka i heavy metalu. Jako siła napędowa Led Zeppelin, Page rozumiał, że ciężar to nie tylko przester – to przestrzeń, cierpliwość i kontrola. „I Want You (She’s So Heavy)” demonstruje wszystkie trzy z niezwykłą pewnością siebie. A potem nadchodzi ten niezapomniany koniec. Bez ostrzeżenia utwór zostaje brutalnie ucięty, zostawiając słuchacza zawieszonego w ciszy. Ten bezkompromisowy wybór produkcyjny był równie rewolucyjny jak sam riff. Dla Jimmy'ego Page'a to nagranie jest mistrzowską lekcją budowania napięcia poprzez prostotę. Wzorzec dla ciężkiej muzyki gitarowej i arcydzieło Beatlesów, które każdy gitarzysta powinien przeżyć na pełnej głośności. To nagranie to dla lidera Zeppelinów to  prawdziwy prototyp ciężkiego metalu i doomu. Wystarczy posłuchać tego hipnotyzującego, potężnego riffu w końcówce utworu oraz nagłego, wręcz brutalnego wyciszenia taśmy. Beatlesi pokazali tu absolutnie surową, mroczną siłę, kładąc podwaliny pod wszystko, co później wydarzyło się w ciężkim rocku.
 
JOHN PAUL JONES: Paul McCartney całkowicie odmienił podejście do gry na basie w muzyce popularnej. Przeszedł od prostego trzymania rytmu do tworzenia melodyjnych, kontrapunktujących linii, które prowadziły cały utwór. Każdy basista po Sgt. Pepperze musiał przewartościować swoje myślenie... To, co zrobili Beatlesi z aranżacjami i łączeniem gatunków – od kwartetów smyczkowych po muzykę indyjską – otworzyło drzwi dla wszystkich po nich. Pokazali nam, że studio nagraniowe jest osobnym instrumentem. 

1. Paperback Writer (1966)


 

Nie każda rewolucyjna partia gitary pochodzi z piorunującej solówki – czasami zaczyna się od jednego niezapomnianego riffu. Dla Jimmy'ego Page'a „Paperback Writer” reprezentuje jeden z przełomowych momentów w ewolucji gitary rockowej. Wydany na progu ery albumu Revolver, utwór wprowadził twardsze, bardziej agresywne brzmienie, które wyróżniało się na tle wcześniejszych nagrań Beatlesów i wskazywało kierunek, w którym zmierza muzyka rockowa. Otwierający motyw gitarowy natychmiast przykuwa uwagę: jest gęsty, pewny siebie i pełen charakteru. Napędza piosenkę z siłą, która wydaje się niezwykle nowoczesna nawet dziesiątki lat później. W połączeniu z grzmiącym basem Paula McCartneya i ściśle zwartą sekcją rytmiczną zespołu, nagranie posiada ciężar, który zainspirował niezliczonych muzyków hardrockowych. To połączenie bardzo trafiało do Page'a. Rozumiał, że świetny riff nie jest po prostu pamiętny – on nadaje charakter całej piosence. „Paperback Writer” osiąga dokładnie to, dowodząc, że prostota wykonana z przekonaniem może być potężniejsza niż techniczny nadmiar. Dla początkujących gitarzystów lekcja jest bezcenna: twórz riffy, które ludzie zapamiętają, służ piosence zanim zaczniesz służyć własnemu ego i nigdy nie lekceważ wpływu świetnej gry rytmicznej. Dla Jimmy'ego Page'a „Paperback Writer” pozostaje jednym z najlepszych nagrań Beatlesów opartych na gitarze – wzorzec dla nowoczesnego rocka i ponadczasowa mistrzowska lekcja pisania riffów, które nigdy nie tracą swojej mocy. Brzmienie gitary w tym utworze jest niezwykle agresywne i wysunięte na pierwszy plan, a sekcja rytmiczna dostała potężny impuls. Dźwięk basu i cięta, chrupiąca gitara rytmiczna tworzą ścianę dźwięku, jakiej wcześniej nie słyszano w muzyce popularnej. To był moment, w którym popowe piosenki zaczęły nabierać prawdziwego rockowego ciężaru i mocy.” Jimmy zwrócił tutaj szczególną uwagę na wykorzystanie potężnych, ciężkich akordów gitarowych oraz nowatorskie podejście do nagrania basu. Ten utwór po prostu wyznaczył nowe standardy realizatorskie – brzmienie gitar jest niezwykle mięsiste, a sekcja rytmiczna wyciągnięta bezkompromisowo na pierwszy plan. Właśnie ta agresywność i czysta energia nagrania zwiastowały zdaniem Jimmy’ego rychłe nadejście mocnego, hardrockowego brzmienia.

JIMMY PAGE: Każdy gitarzysta, bez względu na to, jak ciężki rock gra, musiał w pewnym momencie pokłonić się przed tym, co w kwestii riffów i aranżacji zrobili Beatlesi.

JOHN BONHAM: Wszyscy ci, którzy mówią, że Ringo nie był dobrym perkusistą, po prostu nie rozumieją, na czym polega gra w zespole. Jego przejścia i wyczucie czasu były genialne. Nie chodziło o techniczne popisy, ale o to, co było najlepsze dla piosenki. 

 



Historia The Beatles
History of  THE BEATLES